Aïda Ruilova two-timers

2 May–14 June 2008
two-timers, 2008
Exhibition view
Galerie Guido W. Baudach
Aïda Ruilova
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Aïda Ruilova
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Aïda Ruilova
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Aïda Ruilova
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Aïda Ruilova
Two-Timers, 2008
Aïda Ruilova

HD-video, transferred from 16mm film, b/w, sound, 2:40 min

The Galerie Guido W. Baudach is pleased to present Aïda Ruilova's first solo exhibition in Germany.

The artist, who was born in 1974, has been mainly attracting attention with a series of short videos since the late 90ies. These works were shown in numerous galleries and art institutions in New York, London, Milan and various other places.

Ruilova's videos are as harsh as exhilarating. Often, individual characters are presented in not too clear, but obviously extreme situations. The narrative is kept very elliptical. The actors or actresses mostly can be seen in strange postures, positions, and actions. Continuity conventions are deliberately ignored. In the rapid change of camera angles, parts of rooms and bodies jump through a confusing succession of odd focusses. Which feels fixed and unhinged at the same time - and serves to create situations oscillating between strain, frustration, or suppressed aggression on the one hand and a liberating, grotesque shock effect on the other hand.

The typical rhythm of Ruilova's editing can be pinpointed somewhere between the poor cuts of a B movie and the perfect timing of a slapstick. The disruptions work, as a kind of estrangement effect, against the narrative flow. But at the same time they intensify the graphicness of the action - and thus the impression of the characters' psychological alienation. In spite of their puppet-like manner and their artificial contortions, those bodies express something existentially human.

Nothing exactly violent ever happens in Ruilova's video images. But the brusque montage and the psychologically charged settings create a profoundly disturbing atmosphere. Rhythm and sound are of particular importance. Apart from music movements like noise rock or No Wave, films by directors like Jean Rollin, Dario Argento, Walerian Borowczyk or Andrzej Zulawski have a decisive impact on Ruilova's work. These directors incorporate film techniques from the horror and thriller genres to create a psychological space that is fundamentally human, erotic and alien all at once.

In Ruilova's current exhibition a 16mm black-and-white film is presented. The outside walls of the projection room form a cube in which a series of 26 photo relief prints are hung.

The reliefs feature hieroglyph-like representations of the letters of the alphabet. The images present people either in the physical shape of the letter allowing the body to take on the shape of the letter or present objects in which the viewer can devise meanings related to language. The "J" relief, for example, shows a portrait photograph based on the main character in Carl Theodor Dreyer's movie The Passion of Joan of Arc (1928); the "D" is symbolized by a door - one that was designed by Carlo Mollino. Using these different references and incorporating them into the alphabet the reliefs become a system that can be ambiguous and at the same time instantly recognizable.

The relief aesthetic triggers various references: ancient hieroglyphs, wall decorations of different art-historical epochs, kitschy advertising and soft porn reliefs. The pulp connection is hard to miss. Looked at from the side, the 3D effect fails grotesquely. Nevertheless the naturalistic appearance of the plastic textures is quite impressive. The mummy-like, encasement-like feel of the depictions of the people is uncanny. But being arranged as a sequence, the alphabet also reminds of a film strip - waiting to be set in motion.

Whereas the images of the movie two-timers have a relief-like quality. It's Ruilova's first black-and-white film. The way in which time is dealt with here, also differs from Ruilova's previous works. The events unfold quite slow. There's time to concentrate on the characters. A woman and a rat are presented, surrounded and encased by water. The water is black. It forms a milieu which is as eerie as abstract. In a voice-over, lyrics about a mysterious relation-ship constellation are recited. The first-person narrator looks through a viewfinder at two other characters. The three bodies appearing in the voice-over text are compared with the planet Mars and its two moons (Mars' two moons are, by the way, named after Deimos ("dread") and Phobos ("fear", "horror"), the sons of the god Mars/Ares) - scarred objects in space. The film images arouse feelings of isolation. The dark water seems limitless and creepy. The world is confined to but a few subjects/objects.

two-timers shows certain similarities to Ruilova's video It had no feelings (2004). This video also had, for one of Ruilova's works, a rather strong narrative. In addition to that there are connections concerning the setting and the fact that both works deal with dysfunctional relation-ships.

In the voice-over text of the film as well as in the photographs of the relief alphabet a change of positions occurs from the place behind the camera to the place in front of it. A movement which brings about a peculiar perspective.
         
         
Aïda Ruilova took part in numerous group exhibitions at diverse galleries and art institutions, among others in Casino 2001, S.M.A.K., Gent (2001); Clandestines, 50th Venice Biennial (2003); Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York (2004); 4th Berlin Biennial for Contemporary Art, Berlin (2006); Pensée Sauvage, Kunstverein Frankfurt (2007); 2nd Moscow Biennial (2007); Between Two Deaths, ZKM, Karlsruhe (2007); Sympathy for the Devil, Museum of Contemporary Art Chicago (2007).

Solo shows of Aïda Ruilova were presented at various galleries and art institutions, for example at White Columns, New York (2000); Salon 94, New York (2002, 2007); Galleria Francesca Kaufmann, Milan (2006); The Kitchen, New York (2007).

In 2008 and 2009 a series of solo exhibitions by Ruilova will be shown at several museums in the USA, among others at Aspen Art Museum (May – August 2008); Contemporary Art Museum St. Louis (September 2008 – January 2009); Contemporary Art Center New Orleans (April – July 2009); Museum of Contemporary Art Cleveland (September 2009 – January 2010).

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, die erste Einzelausstellung der New Yorker Künstlerin Aïda Ruilova in Deutschland zu präsentieren.

Die 1974 geborene Künstlerin ist seit Ende der 90er Jahre vor allem mit einer Reihe von kurzen filmischen Werken hervorgetreten, die in zahlreichen Ausstellungen in Galerien und Institutionen, u.a. in New York, London und Mailand gezeigt wurden.

Ruilovas Videos wirken so drastisch wie erheiternd. Oftmals werden einzelne Personen in unklaren Extremsituationen gezeigt. Die Narration ist äußerst elliptisch. Meist sind die Darsteller/innen in seltsamen Haltungen, Positionen, Bewegungen zu sehen. Filmische Anschlusskonventionen werden gezielt missachtet. Im Wechsel der knappen Einstellungen springen Raumausschnitte und Körperpartien aus irritierenden Winkeln ins Bild. Das wirkt gleichzeitig fixiert und entfesselt. So entstehen Situationen auf der Kippe zwischen Anspannung, gestauter Aggression, Frustration einerseits und einer befreienden, grotesken Schockwirkung andererseits.

In einer definitorischen Grauzone zwischen dem perfekten Timing eines Slapsticks und den handwerklich schlechten Schnitten eines B-Movies entwickelt sich Ruilovas spezifischer Rhythmus. Die Filmillusion wird gewissermaßen durch Verfremdungseffekte gebrochen, die jedoch gleichzeitig die Drastik des Geschehens verstärken - und somit den Eindruck einer Entfremdung der gezeigten Charaktere. In ihrer Marionettenhaftigkeit, ihren artifiziellen Verrenkungen schlagen die Körper also gleichsam sehr existenzielle Töne an.

Es geschieht nichts im engeren Sinne Gewalttätiges. Doch über die schroffe Montage und die psychologisch aufgeladenen Settings wird eine äußerst beunruhigende Atmosphäre hergestellt. Rhythmus und Sound kommt dabei eine besondere Bedeutung zu. Neben Musikrichtungen wie No Wave oder Noise Rock haben Filme von Jean Rollin, Dario Argento, Walerian Borowczyk oder Andrzej Zulawski - Regisseure die einfallsreich mit Horror- und Soft-Porno-Elementen umgingen - einen besonderen Einfluss auf Ruilovas Werk.

In ihrer aktuellen Ausstellung wird ein im 16mm-Format gedrehter Schwarzweißfilm gezeigt. Um die Außenseite des Vorführraums herum ist eine Reihe von 26 Relief-Fotodrucken angebracht.

Auf den Reliefs sind hieroglyphisch anmutende Darstellungen der Buchstaben des Alphabets zu sehen. Meist handelt es sich dabei um Fotografien von Personen, die die Form der jeweiligen Buchstaben, mal mehr, mal weniger offensichtlich, mittels ihres Körpers nachahmen. Allerdings werden nicht alle Buchstaben auf diese direkte Weise in Szene gesetzt. Manche lassen sich nur aus einer übertragenen Bedeutung heraus ermitteln - etwa das J, auf dessen zugehörigem Bild ein an die Protagonistin aus Carl Theodor Dreyers Film Der Leidensweg der Jeanne d'Arc (1928) angelehntes Porträt zu sehen ist; oder das D, das durch eine von Carlo Mollino designte Tür (D wie "door") symbolisiert wird. Manche Reliefs haben einen sehr entlegenen, sehr subjektiven Sinn, andere sind auf Anhieb zu entziffern und allgemein verständlich.

Zudem rufen die Reliefs mit ihrer Ästhetik vielfältige Bezüge auf: antike Hieroglyphen, Wandverzierungen aus verschiedenen Epochen der Kunstgeschichte, kitschige Reklame- oder Porno-Reliefs. Der Pulp- bzw. Schund-Aspekt ist dabei nicht zu übersehen. Ein 3D-Effekt, der, von der Seite betrachtet, auf groteske Weise misslingt. Andererseits wirken die Texturen einiger abgebildeter Kleidungsstücke sehr naturalistisch. Das Eingefrorene der abgebildeten Personen hat einen leicht unheimlichen, mumienhaften Anschein. In ihrer sequenzartigen Anordnung erinnern die Reliefs allerdings auch an einen Filmstreifen, also an (abrufbare) Bewegung.

Die Bilder des Films two-timers - es handelt sich hierbei um den ersten Schwarzweißfilm Ruilovas - haben dagegen eine reliefartige Qualität. Von früheren Arbeiten unterscheidet sich dieser Film auch durch eine andere Art, mit Zeit umzugehen. Das Geschehen läuft langsamer ab. Es bleibt Zeit, die Charaktere zu studieren. Man sieht eine Frau und eine Ratte im Wasser. Das Wasser ist schwarz, bildet ein so unheimliches wie abstraktes Milieu. Als Voice-Over wird ein Text vorgetragen, in dem es um eine unklare Beziehungskonstellation geht. Das lyrische Ich schaut durch ein Objektiv auf zwei weitere Anwesende. Das Ich ist laut Ruilovas Angaben ein/e Heranwachsende/r. Die 3 Körper werden im Voice-Over-Text mit dem Planeten Mars und dessen zwei Monden verglichen (die beiden Mars-Monde sind übrigens nach Deimos ("Schrecken") und Phobos ("Furcht") benannt, den Söhnen des Gottes Mars/Ares) - vernarbte Himmelskörper. Durch die Atmosphäre der Filmbilder wird ein Gefühl von Isolation evoziert. Das dunkle Wasser hat etwas Endloses und Beunruhigendes. Die Welt ist auf wenige Subjekte/Objekte beschränkt.

two-timers weist gewisse Parallelen zu Ruilovas Video It had no feelings (2004) auf. Auch dort gab es, für Ruilovas Verhältnisse, ein recht starkes narratives Moment. Das Video spielt in einem ähnlichen Setting und thematisiert wie two-timers dysfunktionale zwischenmenschliche Beziehungen.

Sowohl in dem Voice-Over-Text zum Film, als auch im Relief-Alphabet der two-timers-Ausstellung findet ein Wechsel von der Position hinter der Kamera zu einer vor der Kamera statt. Eine Bewegung, die Verunsicherung mit sich bringt.
         
         
Aïda Ruilova hat sich u.a. an folgenden Gruppenausstellungen beteiligt: Casino 2001, S.M.A.K., Gent (2001); Clandestines, 50. Biennale, Venedig (2003); Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York (2004); 4. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst (2006), Pensée Sauvage, Kunstverein Frankfurt, Frankfurt/M (2007); 2. Moskau Biennale (2007); Between two Deaths, ZKM, Karlsruhe (2007); Sympathy for the Devil, Museum of Contemporary Art Chicago (2007).

Einzelausstellungen fanden u.a. in folgenden Institutionen und Galerien statt: White Columns, New York (2000); Salon 94, New York (2002, 2007); Galleria Francesca Kaufmann, Mailand (2006); The Kitchen, New York (2007, Performance).

Für 2008/2009 wird eine Ausstellungsreihe in veschiedenen Museen in den USA stattfinden, u.a. an folgenden Orten: Aspen Art Museum (Mai – August 2008); Contemporary Art Museum St. Louis (September 2008 – Januar 2009); Contemporary Art Center New Orleans (April – Juli 2009); Museum of Contemporary Art Cleveland (September 2009 – Januar 2010).